Un particular relato, que comienza en Montevideo y se consolida en Buenos Aires a mitad del siglo XIX, nos recuerda por qué cada 6 de octubre se celebra el Día del Circo y del Teatro Criollo Ríoplatense. 

Por Valeria Servidio @ValeServidio

Todo comenzó gracias a dos jóvenes genoveses que se conocieron en Montevideo. Pedro Podestá y María Teresa Torterolo habían arribado a la ciudad capital de la República Oriental del Uruguay alrededor del 1840. Se casaron y a los pocos años decidieron trasladarse a Buenos Aires, donde Pedro comenzó a trabajar en el mítico barrio de San Telmo. Tras tener dos hijos, la familia volvió a su anterior hogar, quizás intimidados por una posible persecución a “los gringos” como resultado de la Batalla de Caseros. Ubicados nuevamente en Montevideo, el matrimonio concibió 9 hijos más, dentro de los cuales encontramos al protagonista de nuestra narración, Juan José, nacido el 6 de octubre de 1858.

Desde pequeño, Juan José experimentó un gran interés por el arte en general: siendo apenas un joven de 15 años comenzó a estudiar música en la Escuela de la Banda Municipal de Montevideo. Viviendo apenas a un par de cuadras de la playa, adquirió grandes habilidades a la hora de nadar, incluso ha sabido rescatar a varias personas del mar, incluyendo a uno de sus hermanos. Probablemente, aquellas acrobacias que supo realizar en el agua y su peculiar atracción por el movimiento circense europeo que se desarrollaba en la ciudad, lo llevaron a intentar recrear esos espectaculares movimientos propios del circo.

De esta manera, en 1873 Juan José Podestá junto a sus hermanos, instalaron una carpa en una cantera de la ciudad para presentar su propio espectáculo circense. La entrada era gratuita y con el trascurso de los días, mucha gente comenzó a acercarse a ver el show que ofrecían.

En este contexto, más precisamente en 1881, apareció por primera vez el personaje que lo llevaría a la fama, “Pepino el 88”. Recordado hoy por muchos padres o abuelos, se trataba de un payaso que satirizaba cuestiones sociales y políticas, representando al “niño bien” o al “compadrito”. Su nacimiento fue una suerte de improvisación: el payaso que actuaba para la compañía se enfermó, por lo que el mismo Juan José salió en escena interpretando a quien llamaría “Pepino”, quizás en relación a su apodo “Pepe”, y “el 88” por aquel espontáneo traje hecho de sábanas con cuatro parches circulares que formarían dos ochos. En sus memorias, Juan José Podestá cuenta que el personaje se presentaba diciendo “Acepto, estudio, trasnocho, salto, brinco, con maestría, y el público casi chocho, me llama desde aquel día. Pepino el ochenta y ocho.”

Es así como se afianzó la compañía de la familia Podestá, la cual recorrió no solo Uruguay, sino también cruzó el río para hacer diversas presentaciones en Buenos Aires, Santa Fe y Córdoba, y hasta llegó a Brasil. En 1883, Pepe se casó con una acróbata con quien tuvo 8 hijos, que también formarían parte de esta estirpe circense, y optó con el correr de los años por instalarse definitivamente en la ciudad de La Plata.

En 1886 Juan José alcanzó un segundo gran logro, que sin dudas lo llevaría a la posterior inmortalidad. Le pidió a Eduardo Gutiérrez que adaptara su conocida novela “Juan Moreira”, para poder interpretarla él mismo en las tablas. Lo que distinguió a este hecho fue que el personaje no solo estaba dotado de voz, sino que era acompañado por cantores, guitarras y bailes (particularmente, El Gato). Este primer drama hablado constituyó un nuevo movimiento teatral característicamente criollo, y es por ello que se lo considera el inicio simbólico de lo que los historiadores denominan “Teatro Nacional Rioplatense”, y su personaje Juan Moreira, la primera figura teatral. El éxito de la representación trajo consigo algo quizás impensado algún tiempo atrás: se comenzó a llevar al teatro otras obras de temas gauchescos, como por ejemplo el Martín Fierro, y así se le fue dando forma a una identidadrelacionada a esta maravillosa expresión
artística.

Tras pasar un tiempo en Montevideo, “Juan Moreira” volvió a Buenos Aires con una nueva y muy significativa incorporación: sugerido por Elías Regules, Juan José cambió la danza del Gato por el Pericón, un baile propio de las compañías uruguayas que hasta ese momento no se conocía en Argentina. Recuerda Pepe “sustraída del silencio y el aislamiento la danza criolla más hermosa, elegante y simbólica que con orgullo ostentan hoy ambas márgenes del Plata.”

La compañía familiar, que ahora pertenecía a los hermanos Podestá, también llevó al teatro “Calandria” de Martiniano Leguizamón. La obra también resultó ser una gran victoria, y de esta manera lograron establecer la Compañía Circense Teatral en La Plata. Hoy en día, en ese mismo lugar se encuentra el actual Teatro Coliseo Podestá. Y es justamente allí donde Juan José Podestá pasó sus últimos días, falleciendo el 5 de marzo de 1937.

“[…] Di vuelta el traje de Pepino y me lo puse para resguardo de la ropa particular y después de encender un buen fuego para templar el aire, que era bastante frio esa noche, tuve el honor de ser el primer atorrante de la moderna ciudad.”

Recordando así a Juan José Podestá, se abre una hermosa invitación a entrelazar culturas hermanas, teñir de vivos colores la historia y unir dos orillas que, al final, siempre estuvieron juntas.

Entre milongas, baladas y alguna que otra retirada, los aires del barrio de San Telmo cambiaron radicalmente para recibir a un cantor como Martín Souza, director de Murga La Trasnochada y ahora también solista, que decidió venir a Buenos Aires a regalarnos un show experimental con su banda y un coro murguero, entre los cuales se encuentran sus hermanos y compañeros de ruta, que le daban otro color al espectáculo.

Macarena Gómez Garcier @maquiagg
para @CorriendoLaVoz_

Cerca de la medianoche era Marma la banda que empezaba a mover las energías. Con gran influencia de música latinoamericana, curtida de nuestras raíces, brindaban un espectáculo íntimo lleno de mixturas que incluirían desde un cover de Divididos al hacer “Como un Cuento” hasta una canción netamente inspirada en las Minas de Potosí.

Luego de una maratón de shows con la murga y a medio despintar, llegó Martín Souza y su banda, Marma había dejado el ambiente propicio para lo que vendría, un abanico de sensaciones que este cantautor le haría vivir al público. “Viajero, con el norte en la murga”, ese era el nombre de este show como manifestación simbólica de lo que transmiten sus canciones y las experiencias que las han hecho nacer. Un “Norte” que siempre está ahí, las notas murgueras se sienten con intensidad en sus canciones y al mismo tempo “Viajero” porque así se siente él, de viaje por sus letras, ritmos y fusionando lo propio de ambas orillas.

El show estuvo compuesto íntegramente por canciones de su autoría, recorriendo una variedad de estilos rioplatenses supo combinar un poco de esto y otro de aquello, algo de rock y la murga como parte de su identidad, incluso regalándole al público más cercano a La Trasnochada versiones de canciones que fueron parte o quedaron fuera del espectáculo de este año y cerca del final invitándolos a cantar (tanto al público como al coro de la murga) la presentación del año 2011.

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En una charla íntima con Martín nos dijo: “me sentí muy a gusto durante el show y después del mismo, San Telmo es un lugar que me inspira y debe ser de los lugares que más me gusta en el mundo sin exagerar, quede feliz por poder cantar mis canciones nuevas, canciones que nacen luego de un viaje y varios viajes alrededor. Estoy agradecido al público argentino por el silencio en cada canción, sus aplausos y su respeto y sentí que las canciones fluyeron de manera muy cómoda. Se me hizo muy corto el concierto, con ganas de volver a tocar por ahí y disfrutar de unos de los barrios más lindos del rio de la plata.”

Martín Souza es un joven compositor y cantor de una nueva camada de músicos montevideanos que han nacido y se han consolidado en éstos últimos años; con una pluma destacada y con una interesante síntesis con la murga, el candombe y el rock ha sabido dar nacimiento a una vasta cantidad de composiciones que podríamos ubicar como incursiones por la música urbana, fusionando y experimentando estilos y raíces.

Desde el 30 de agosto de 2009 se encuentra en pleno corazón del barrio de San Telmo, una pequeña gran estatua: el más popular y famoso de los personajes de Quino, Mafalda.

Por Valeria Servidio @ValeServidio
para @CorriendoLaVoz_

“Mafalda” es una tira de prensa concerniente al humorista gráfico Joaquín Salvador Lavado, más conocido como Quino. Su protagonista es una niña cuyo nombre justamente es Mafalda, la cual Umberto Eco ha definido como una “heroína iracunda que rechaza al mundo tal cual es [...] reivindicando su derecho a seguir siendo una niña que no quiere hacerse cargo de un universo adulterado por los padres.”

Pequeña curiosa; rebelde, idealista, comprometida con la realidad de su época, ha sabido enamorar con sus cuestionamientos, preocupaciones, utopías y su (no tan) ingenua ironía a un gran público que se extiende más allá de Argentina. Toda Latinoamérica y gran parte de los países europeos se han vistos atraídos por este personaje que ha sabido defender la paz mundial y los derechos de los niños, entre otros temas sociopolíticos.

La historieta fue presentada oficialmente el 29 de septiembre de 1964 en la revista Primera Plana, para luego pasar a El Mundo y Siete Días Ilustrados, hasta que en 1973 se publicó la última tira por orden del propio autor. Posteriormente, Mafalda ha aparecido ocasionalmente para participar en distintas campañas nacionales e internacionales avocadas a la los derechos humanos, la salud, la educación, la política, etc.

El 30 de agosto de 2009 se inauguró en la esquina de Chile y Defensa (San Telmo, CABA) una estatua de 80 centímetros, realizada por Pablo Irrgang. Con un vestido verde, su peculiar peinado y una pícara y simpática sonrisa; espera sentada a miles de turistas que se acercan a tomarse una fotografía a su lado.

La elección de esa esquina no es casual: cuando en 1964 comenzó a ser publicada la historieta, su autor vivía ni más ni menos que a media cuadra del sitio donde hoy se encuentra la representación. Es por ello que muchos de los escenarios en los que se desarrolla la historieta tienen una suerte de correlato con rincones del mítico San Telmo.
Aquel 30 de agosto, un enorme público (fans, vecinos, dibujantes y amigos de Quino e incluso, autoridades públicas) se acercó para darle un cálido recibimiento a lo que se convertiría en uno de los íconos del barrio. Así mismo, el dibujante recibió una réplica en miniatura de la estatua y una “medalla del Bicentenario”.

Inaugurado en 2001, el Puente de la Mujer es una emblemática obra arquitectónica situada en el pintoresco Puerto Madero, más precisamente en el Dique 3, en las calles Pierina Dealessi y Manuela Gorriti.

Se trata de un puente giratorio que permite la circulación peatonal. Tiene un largo de 170 metros y pesa alrededor de 800 toneladas. La aguja de acero central tiene una altura de 39 metros.

El proyecto fue ideado por Alberto González. El empresario pertenecía al Grupo Madero, y se encargó de donar el dinero para su construcción. El diseño del puente pertenece a un importante ingeniero y arquitecto de origen español, Santiago Calatrava Valls, resultando ésta su primera obra en Sudamérica. Fue construida por la empresa Urssa; toda la fabricación de la misma se llevó a cabo en Vitoria (España), debido a que se usaron materiales que no se fabrican en Argentina.

Recibe el nombre de “Puente de la Mujer” debido a que todas las calles que circundan la obra recuerdan a distintas mujeres que cumplieron un rol significativo dentro de la sociedad.

A la hora de diseñar esta obra modernista de gran belleza plástica, Calatrava se inspiró en una pareja bailando tango: la parte horizontal levemente curva personifica a la mujer que reposa en los brazos del hombre, representado por los cables y la aguja (respectivamente), haciendo alusión de esta manera a la pose final del baile.

El Puente de la Mujer se convierte así en un símbolo de la Ciudad de Buenos Aires.

La Farmacia de La Estrella es la más antigua de la Ciudad de Buenos Aires. Su fundación se remonta a 1834, cuando el Dr. Bernardino Rivadavia encargó al bioquímico y botánico Dr. Pablo Ferrari la dirección del proyecto.

Por Valeria Servidio @ValeServidio

En 1838, Silvestre Demarchi tomó posesión del local e incorporó la droguería. De esta manera, se convertiría en la farmacia líder de Sudamérica, debido a que además de producirse variedad de productos químicos y farmacéuticos, era la única que importaba drogas al por mayor.

El edificio en donde actualmente se encuentra La Farmacia de La Estrella fue inaugurado en 1885. El mismo, se ubica en la esquina de Defensa y Alsina y fue construido por los hermanos Demarchi asociados al bioquímico Dr. Domingo Parodi.

Farmacia de La Estrella no sólo se ha destacado por ofrecer prestigiosos curativos, sino que la decoración misma del lugar ha sabido llamar la atención de todos: pisos de mayólicas venecianas, cristales de Murano, mármol de Carrara y estanterías italianas de nogal talladas en estilo neoclásico. Asimismo, la farmacia cuenta con la presencia de un gran trabajo llevado a cabo por el pintor italiano Carlos Barbieri. En las paredes se pueden ver dos cuadros aparentemente inspirados en las hijas de Facundo Quiroga y del Gral. Julio A. Roca, que representan La Química y La Botánica; y en el centro del cielorraso, un hermoso fresco protagonizado por “Farmacopea”, triunfante frente a “La Enfermedad”.

Por otro lado, La Farmacia de La Estrella ofrecía tertulias a las cuales han sabido asistir importantes personajes del ámbito político como por ejemplo Carlos Pelligrini, Julio A. Roca e Hipólito Yrigoyen.

Actualmente, la farmacia ubicada en la esquina del emblemático barrio de San Telmo tiene sus puertas abiertas al público y ofrece no solo variedad de productos farmacéuticos (especialmente, homeopáticos), sino también una suerte de viaje al pasado de nuestra historia.

http://curiosidadesrhmbuenosaires.blogspot.com.ar/2010/04/farmacia-la-estrella.html

“Cuando se escriba la historia documentada del desarrollo intelectual y educativo de la patria argentina, La Librería del Colegio va a ocupar en ello una página brillante.” Así definió la vieja revista Caras y Caretas lo que significaría La Librería de Ávila. Se trata de la casa de libros más antigua de la Ciudad de Buenos Aires.

Por Valeria Servidio @ValeServidio
para @CorriendoLaVoz_

Su origen se remonta a 1785 cuando el farmacéutico Francisco Salvio Marull abrió en la esquina de las calles Santísima Trinidad y San Carlos (actualmente, Bolívar y Adolfo Alsina) un local al que llamaría “La Botica”. Estratégicamente ubicado, tenía en frente suyo el Café San Marcos, lugar en donde se juntaban los revolucionarios de la época; y a tan solo 100 metros, la Plaza Mayor (Plaza de Mayo). “La Botica” ofrecía ropa, comestibles, bebidas y por primera vez en la historia de la Ciudad, libros.

En 1801, el primer periódico de Buenos Aires se vendió allí: El Telégrafo Mercantil, Rural, Político, Económico e Historiográfico del Río de la Plata.

Es también en el siglo XIX cuando “La Botica” pasó a llamarse “La Librería del Colegio”, debido a que se encontraba a metros del Colegio San Marcos, hoy Colegio Nacional Buenos Aires.

Rápidamente se convirtió en un prestigioso lugar en donde se realizaban sesiones literarias y tertulias. Grandes personajes de la historia y protagonistas de la literatura nacional han formado parte de la clientela: ejemplo de ello son Nicolás Avellaneda, Pedro Goyena, José Hernández, Rafael Obligado, Domingo Sarmiento, Aristóbulo del Valle, Juan Bautista Alberdi, Bartolomé Mitre; Leopoldo Lugones, Roberto Arlt, Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares, Victoria Ocampo, etc.

Tras dos intensos siglos de vida (siendo construida a nuevo en 1926), debió ser cerrada a fines de los 80’ a raíz de la crisis económica que atravesaría el país. Sin embargo, a los pocos años sería abierta nuevamente al público de la mano de Miguel Ávila, quien compró el local y adjudicó su nombre al mismo.

Actualmente, la Librería de Ávila “ofrece una gran variedad de libros antiguos y agotados en temas indígenas, historia argentina y americana, antropología, lingüística, temas sobre Buenos Aires, tango, folklore y Patagonia, y por supuesto literatura en general y todas las novedades.” Asimismo, tiene un subsuelo en donde funciona un Café Literario.

Librería de Ávila fue declarada “Sitio de Interés Cultural” por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y “Lugar Histórico Nacional” por el Gobierno Nacional.

Leprosorio de San Pablo, Junio 14 – (…) Al anochecer fuimos a una cena de cumpleaños que le ofreció la señora del director a Fúser. Luego salimos rumbo al comedor general donde se llevaría la fiesta en honor al Pelao.
En el trayecto, Ernesto me dijo:
– Mirá, Mial, yo no voy a bailar nada más que tangos, pero entre lo mal que lo toca esta gente y mi falta de oído, hay veces que no sé qué están tocando, así que cuando ejecuten un tango me das una patadita por debajo de la mesa para avisarme.

En eso llegamos al comedor. Sorpresivamente lo encontramos vacío. Nos sentamos. A los pocos segundos golpearon a la puerta, y la orquesta que estaba emboscada esperando nuestra llegada empezó a tocar en ritmo de vals: “Felicidades, Ernesto, en tu día…”. Diez o doce jóvenes, sobre todo enfermeras y muchachas del servicio, nos rodearon, y cada una de ellas le dio 24 tirones de oreja a Fúser, y algún que otro besito las más animosas. Así se rompió el fuego. Fueron llegando más festejantes; al poco rato tocaron un tango, le di a Fúser la patadita convenida y ahí salió con una linda indiecita al compás del dos por cuatro.

(…) En un momento se generalizó el baile, y como era tanta la gente que bailaba, la casa, colocada sobre pilotes de madera entraba en vibraciones; parecía una de esas casas de dibujos animados que llevan el compás de la música.

Fúser, por supuesto, estaba de moda, y varias muchachas pugnaban por bailar con él; entre ellas había una a quien Ernesto le tenía echado el ojo.

Seguíamos el plan prefijado. Cada vez que sonaba un tango, lo tocaba con el pie y todo andaba sobre rieles. De pronto, pasó algo que trastocó todo el plan. La orquesta, después de un descanso, empezó a tocar una melodía brasileña, una de las piezas musicales preferidas de Chichina, la novia de Ernesto. Al oírla, a la vez que le decía: ¿te acordás?, le toqué el pie con el mío.

Creyendo que le decía que lo que estaban tocando era un tango, Fúser salió como un bólido a sacar a bailar a la trigueña, que estaba en un rincón comiéndoselo con los ojos.

Antes de que pudiera reaccionar, vi al Pelao bailando al lento compás del tango en medio de la barahúnda formada por el resto de las parejas que bailaban a toda velocidad el choro brasileño. Fúser se dio cuenta de que algo no andaba bien y se fue acercando a la mesa donde yo, muerto de risa, trataba de hacerle ver por medio de señas (pues no podía hablar en mi hilaridad) que el resto de las parejas se movían a un ritmo mucho más veloz. No me entendió y siguió imperturbable su estilo de baile: 1, 2, 3, 4 y giro; 1, 2, 3, 4 y giro…

“Ausencia” – Jorge Luis Borges
Habré de levantar la vasta vida
que aún ahora es tu espejo:
cada mañana habré de reconstruirla.
Desde que te alejaste,
cuántos lugares se han tornado vanos
y sin sentido, iguales
a luces en el día.
Tardes que fueron nicho de tu imagen,
músicas en que siempre me aguardabas,
palabras de aquel tiempo,
yo tendré que quebrarlas con mis manos.
¿En qué hondonada esconderé mi alma
para que no vea tu ausencia
que como un sol terrible, sin ocaso,
brilla definitiva y despiadada?
Tu ausencia me rodea
como la cuerda a la garganta,
el mar al que se hunde.

Este 24 de mayo de 2013, Rodrigo Bueno, mejor conocido como El “Potro” Rodrigo hubiera cumplido 40 años. Lamentablemente un accidente fatal se llevó la vida del paradigmático “cuartetero”, allá por junio del año 2000. Sin embargo, sus canciones permanecen en la memoria y en el corazón de todos.

Por Valeria Servidio @ValeServidio

Rodrigo Bueno nació un 24 de mayo de 1973 en Córdoba. Desde muy pequeño tuvo contacto con el mundo de la música. Teniendo apenas tres años, su tío le regaló un micrófono hecho de madera, y de esta manera Rodrigo se pasaba su tiempo jugando a ser cantante. Por otra parte, en la casa de la familia Bueno se escuchaba música permanentemente. Sus padres eran fanáticos del cuarteto. Beatriz, su madre, era amiga de Carlos “La Mona” Jiménez, por lo que nunca faltaba oportunidad para llevar al niño a algún show. “La Mona” fue el encargado de hacer aparecer al pequeño por primera vez en público en su programa “La Fiesta del Cuarteto”.

Su pasión por el canto quizá haya sido innata. Puede que esto, acompañado de su facilidad para subirse a un escenario, sirvieran de gran ayuda para su carrera, ya que teniendo apenas 11 años no dudaba en subirse a cantar en los bailes en los que se presentaba el grupo de cuarteto cordobés “Chébere”. Poco antes de terminar el colegio primario Rodrigo tomó la decisión de abandonar sus estudios ante una propuesta que le presentó un amigo: tras escaparse de la escuela se lució en un casting musical que lo llevaría a formar parte de “Manto Negro”, otro conjunto de la provincia de Córdoba.

Teniendo 15 años escribió su primera canción como solista, “La foto de tu cuerpo”, y así logró grabar su primer disco que llevaría ese mismo nombre. En 1991 salió su segundo trabajo, titulado “Aprendiendo a vivir”, el cual le permitió trasladarse a la ciudad en donde Rodrigo creía se encontraba la oportunidad para seguir creciendo, Buenos Aires. Se dirigió a la capital con el objetivo de extender el alcance de ese ritmo que tanto él amaba (el cuarteto) hacia todo el país. Se concretó su sueño el 5 de abril cuando encontró la posibilidad de presentarse en el reconocido boliche “El Fantástico Bailable”. De esta manera, Rodrigo Bueno consiguió consolidar su carrera y en muy poco tiempo alcanzó un éxito inesperado; quizás, la bisagra para lograr tamaña fama fue “Lo mejor del amor”. Si bien incursionó en otros estilos musicales como el merengue o la salsa, se convirtió en el máximo referente del cuarteto. Pasaban los años y cada vez era mayor el número de discos de “El Potro Rodrigo” que circulaban por las calles. Inclusive, trabajó para reconocidos sellos discográficos como Sony y Magenta Discos, y en 1997 “La leyenda continúa” (grabado en vivo en “El Fantástico Bailable”) se convirtió en Disco de Oro. En el 2000 llenó en tres oportunidades el mítico Estadio Luna Park.

Sin embargo, la gloria no lo era todo. “El Potro” llegó al corazón de los argentinos. Conquistó a todos con sus letras y sus melodías, trascendiendo cualquier tipo de barrera social o cultural. Espontáneo y muy humilde, Rodrigo contagiaba alegría a todo aquel que lo escuchaba hablar o cantar. Siempre se mostraba como un ser agradecido por haber cumplido su sueño, e invitaba a nunca bajar los brazos.

Inesperadamente, a los 27 años, en pleno auge de su carrera, un trágico accidente en la Autopista Buenos Aires – La Plata, a la altura de la localidad de Berazategui, lo llevó a la muerte. El cuartetero volvía en su auto de un recital que había ofrecido en City Bell, acompañado por su mujer, su hijo y Fernando Olmedo, a quien horas antes había invitado a formar parte de su presentación y quien también pereció tras producirse el choque. Su esposa y el hijo sobrevivieron. El suceso incluyó a un transeúnte, presunto sospechoso, quien tras ser sometido a juicio fue declarado inocente. Aún hoy en día se recuerda el hecho con mucha extrañeza.

La conmoción fue general. Miles de fanáticos y famosos allegados al cantante se acercaron a despedirlo, y mismo se construyó una suerte de santuario a un costado de la Autopista en donde se produjo el accidente.

“Me gustaría que me recuerden como uno de los que defendió la música de Córdoba, la música del cuarteto” ha sabido decir Rodrigo Bueno, quien aún hoy permanece entre nosotros. Basta con juntarse con amigos o ir a un boliche o un bar, para comprobar que sus canciones se encuentran siempre presentes.

La imagen del ídolo popular sin dudas perdurará.

“(…) las palabras no se matan, prohibido olvidar.”

DESAPARECIDOS – Mario Benedetti

Están en algún sitio / concertados / desconcertados / sordos / buscándose / buscándonos / bloqueados por los signos y las dudas
contemplando las verjas de las plazas / los timbres de las puertas / las viejas azoteas / ordenando sus sueños sus olvidos / quizá convalecientes de su muerte privada

Nadie les ha explicado con certeza / si ya se fueron o si no / si son pancartas o temblores / sobrevivientes o responsos / ven pasar árboles y pájaros / e ignoran a qué sombra pertenecen

Cuando empezaron a desaparecer / hace tres cinco siete ceremonias / a desaparecer como sin sangre / como sin rostro y sin motivo
vieron por la ventana de su ausencia / lo que quedaba atrás / ese andamiaje / de abrazos cielo y humo

Cuando empezaron a desaparecer / como el oasis en los espejismos / a desaparecer sin últimas palabras / tenían en sus manos los trocitos / de cosas que querían

Están en algún sitio / nube o tumba / están en algún sitio / estoy seguro / allá en el sur del alma / es posible que hayan extraviado la brújula / y hoy vaguen preguntando preguntando / dónde carajo queda el buen amor /porque vienen del odio